格格党

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2014（第2页）

尽管乐器变了，效果仍然令人满意。

《丝绸之路幻想曲》本来使用的是接近乡土的中国管乐器独奏，这一次却换上了萨克斯管。

独奏家克利斯蒂安·维尔特（Wirth）显得有点拘谨，演出过分优雅，无法衔接乐队制造的纵情、富有乡土气息的欢乐气氛。

庞乐思清唱剧世界首演

香港创乐团故意远离城中那些高楼大厦，于上周日举办了一场别开生面、志向宏大的跨文化跨艺术形式的演出，某些选演的作品拥抱宗教元素，其他则与宗教无关。

音乐会的重头戏（虽然是演出的最后一首作品）是庞乐思（JamesBoznos）的《复生》（Ai）。

这部清唱剧早在2012年委约，到了今年才作世界首演。

演出地点是被列为联合国文化遗产的圣若瑟小堂，位于新界西贡离岛的盐田梓。

这个罗马式建筑启发了我们沉思；同时，因为风格十分简约，也是这部25分钟作品首演的上佳场地。

《复生》的创作灵感源于希腊东正教，作曲家也强调12这个数字：12代表耶稣的十二位门徒，也可以代表12音阶，连演出的队伍，也是12人（乐手与演唱者各6人）。

《复生》里的古希腊祭礼唱词遇上现代作曲手法，再加上经过技术调整的耶路撒冷圣墓教堂钟声（作曲家用自己的智能手机在那里录音）。

现场演出与一早录制的声轨大部分的时间都同步进行。

在指挥文盛伯（JohnWinzenburg）的领导下，当创乐团的演奏家独自演出（不用声轨的段落），现代音乐的效果更加令人信服。

这种重新关联化，在音乐会的其他曲目中均有出现。

陈庆恩2013年的作品《声影留别》只播放录音（作品是笙、中提琴、颤音琴三重奏），缺乏本应展示的摄影作品的视觉效果以及现场演出的那种亲昵气氛。

作品所营造的效果，是一种似是而非的、缥缈的灵性；中国笙更令我们联想到西方教堂的风琴。

谭盾的《秋风》是一首挽歌，创作于作曲家早期被乔治·克伦姆（GeeCrumb）所影响的年代（1993年），演出队伍散布在教堂的每个角落，听觉效果就像浮游于中国与西方根源间的另类世界祭礼。

其他作品所呈献的对话都始于西方。

凯雅·萨里雅霍（KaijaSaariaho）2002年的作品《光转》（gLight）营造了大幅度的反差：小提琴家蔡芷颖奏出抒情如歌的旋律，女高音罗晓晴的歌唱更像器乐的演绎，两者形成强烈的对比。

乔治·阿佩尔吉（Gehis）的《罗许》（Rasch）让中提琴（凌艺廉）与小提琴（蔡芷颖）两个乐器重奏，间而对换彼此相似的旋律，令听众产生错觉，好似一个单一的、音域特别宽广的乐器在独奏一样。

主办方策划音乐会时强调文化交流的主题，在概念上恰到好处—今年的棕榈主日（PalmSunday）与清明节刚好是同一天。

可惜，很多细节却差强人意。

节目单没有列出萨里雅霍引述的英语诗歌，也没有提供谭盾取材的明代诗词，更谈不上节目介绍了。

因此，卓越的演出无法晋升为真正的对话。

国家大剧院管弦乐团献上“交响之春”

闭幕音乐会

与国家大剧院每年举办的，意在吸引国际聚焦的歌剧节相比，大剧院的“中国交响乐之春”

只属于国内事务的级别。

交响之春每两年举办一次，为观众呈献中国各省各地的管弦乐团现今的艺术成就。

上周三，国家大剧院管弦乐团为第四届“交响之春”

献上闭幕音乐会。

自2010年成立以来，国家大剧院管弦乐团已经渐趋成熟，现在是一个胜任的歌剧乐团，在音乐会的表现驾轻就熟。

乐团的自身构成也反映了中国音乐界本地与全球性的二分法—乐团里差不多一半成员曾经在国外接受音乐训练，或曾吸纳过国外的演奏经验。

在乐团桂冠指挥陈佐湟的领导下，周三选演的曲目好像是为了庆祝乐团独特的个性而设，音乐会更用上了“浪漫主义的东西相遇”

作标题。

东西方元素，还有音乐会与戏剧舞台，自由地相互流动。

韦伯的《奥伯龙》序曲显得有点颠簸—中国弦乐乐手往往都比木管、铜管乐手更加老练—幸好，其后曲目的演出效果没有受到影响。

音乐会的重头戏，是赵季平《第二琵琶协奏曲》的亚洲首演。