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第十八讲 布里顿海景 孤独的世纪（第2页）

布里顿在其中写下了极为浓重的一笔，3首大提琴无伴奏组曲及一首大提琴奏鸣曲，探讨了大提琴的种种现代演奏技法，并极大限度地挖掘了大提琴的表现力。

除了布里顿本身的作曲天赋，这还得益于罗斯特洛波维奇传奇般的演奏技艺，他似乎具有天生般的灵活技巧，所有的困难都不在话下。

他几乎演奏过所有重要的大提琴作品，一切高难度技巧的段落对于他都不费吹灰之力，永远是那么举重若轻，这一切都激励了布里顿写作出如此精彩和大胆的大提琴作品。

※北海大部分时间都让人感觉到阴冷潮湿，强烈的海风一年四季都不停。

海景也成为布里顿一生魂牵梦萦的印象

他们的初识始于1960年9月，罗斯特洛波维奇在伦敦皇家节日音乐厅举行肖斯塔科维奇为他而作的那首大提琴协奏曲的首演，肖斯塔科维奇邀请布里顿坐在他旁边，在音乐会结束后，介绍他的“御用”

大提琴手罗斯特洛波维奇给布里顿。

他们的友谊始于那个时候，1961年布里顿将大提琴奏鸣曲赠予罗斯特洛波维奇，随后是《大提琴交响曲》。

这首C调大提琴奏鸣曲（op.65）共分5个乐章。

第一乐章标题“对话”

，钢琴与大提琴的节奏都非常不规则，有意地造成破碎不稳的感觉，大提琴上是一连串非常短小的动机音型，不断地上行和下行，钢琴也以上上下下的和弦对应，听起来完全像是两个世界的对话，似乎刚一碰头，大家都有些拘谨，说着不着边际的寒暄，一个在说着天气，一个在说着赛马。

“旋律”

晦涩的音调不代表言语的冷涩，而是现代作曲家为了走出以往的自然音阶式的旋律的“霸权”

而作的突破。

虽然对于现代听众来说，必须大量收听现代作品才可能习惯这样的音调，但音乐饱含的热情多少抵消了这一生冷的印象。

其后的钢琴与大提琴逐渐合拍，有时交换着位置，在每一个突然的加速和突兀的动机释放时，两样乐器都无比精准地贴合，虽然你可能听不懂他们在交谈什么，但可以通过他们的如一的节奏感和律动感知到他们在热烈地交谈。

布里顿的本意也许是在设计以音乐的语汇展开东西方世界（他自己，以英国作曲家代表的西方世界和罗斯特洛波维奇代表的东方的苏联）的对话。

※前排左起为：肖斯塔科维奇、罗斯特洛波维奇与布里顿

第二乐章“谐谑曲-拨奏”

，这一乐章更像是一首练习曲，一直是考验大提琴手与钢琴配合的利器，通篇都是大提琴的拨奏以及钢琴右手的技巧表现。

两种弹拨音的碰撞和配合尤其需要两者的技术底蕴及精准配合以及演奏时高度集中的注意力，还要分出部分注意力在音乐的表达上，这里不时有些深切委婉的段落，或是深沉的表达。

布里顿为大提琴写下了如同吉他上的复杂艰难的拨奏，两样乐器似乎是前后乐章高深话题之间的闲聊（当然，不能总是讨论哲学和宗教）。

※C大调大提琴奏响曲有着晦暗的色调和乖戾的音调，演奏上则要求极其精准的配合

第三乐章“悲歌”

，开始是钢琴低沉的音调，步履蹒跚地拖沓（节奏不均匀地律动）。

大提琴上奏出一个深情饱满的悲伤旋律，两样乐器似乎是在各自诉说着忧愁，却又保持着近似的节奏和一致的速度。

中间的部分，大提琴以浓密的和弦激动地呼吸着，钢琴在高音区越来越紧张和焦虑，一次比一次急促……在到达情绪的**时，与大提琴交换角色。

大提琴在高音区接叙，然后缓缓步向心灰意冷的沉寂……接着是难以察觉的低鸣，钢琴上晶莹发亮的点点音符似乎是寒冷的孤夜深黑色的海面上的点点波光，结束前大提琴上奏出深情的音调，不知不觉地滑向寂静。

第四乐章“进行曲”

，如果把上一个乐章看做垂死的人的病态式的臆想，这一乐章则是对于死亡的戏谑。

它好像一阕谐谑曲，甚至有“三声中部”

——令人回想起继叙咏《震怒之日》的音调，然后是钢琴上如同风铃版轻柔的音型，大提琴在极高音区演奏上行的滑奏（八音盒上的《骷髅之舞》？）……以诡异的黑色梦幻色调结束。