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策展面面观（第3页）

再三考量之后，我还是选择了相信他们，机遇与风险并存，何不拼一次？

接下来又是挑战“不可能完成的任务”

：五天四晚，三路人马，多线执行，从策划、图纸、肖像权签署、作品输出、视觉设计、物料下单，到最后一天的入场搭建，几乎每天二十四小时不停歇，五个人的公司，但每一个人都像一支队伍。

当印着作品的五米海报龙门架在商场立起来的那一刻，我想起若干年前和老王开的那个玩笑，我说：“总有一天，我要让这座城市的广告牌能看到我们的作品！”

这一次，离当年夸下的海口是不是又靠近了一点点？

那一年的冬天，杭州特别冷，这个影展像一份温暖的跨年礼物，更是这些年来人像图书馆交出的一份答卷。

影展取名为“片刻·永恒”

，分为三个展区，分别展出不同主题内容的人像作品，辅以不同的介质或表现形式，共计七十二幅人像作品和一件装置作品，呈现一次“场地+照片+情感”

的综合艺术展示。

摄影是用个性化的镜头语言记录下片刻的永恒存在，而照片是人生的留存，一张照片也许是一瞬间的片刻闪现，但人的生命正是靠着这样的一个个片段、一幕幕瞬间才更显意义，才造就了永恒。

观众上楼后由商场指示牌进入展区，率先映入眼帘的是策展人的前言和摄影师简介，紧邻着的便是第一展区“素”

，选取的是人像图书馆的创店数码肖像系列“Sure·素”

，非黑即白，直击内心。

一号展区内还设有一件装置作品《沙漏》，沙漏代表时间，相机如同时光机，照片是时间的产物，在摄影工具愈来愈先进轻巧的当下，人们过着二十四小时随身携带相机的生活，随时拍照，也随时被拍。

于是，摄影师的定义看似模糊、宽广了，每个人都可以是摄影师，喜乎？悲乎？在这个艺术装置里，我们将照片做成巨大的沙漏形状，将时间具体化地呈现，象征时间碎片里的片刻，每一张照片都如渺小的一粒沙，由此引发观看者的思辨，使其感受到正是每一个片刻组成了永恒。

第二展区名为“穿连体衣的女孩”

，是林老师近几年的个人创作计划，部分作品已于同年九月在上海当代艺术馆艺术家群展中展出，这是此系列首次在杭州展出。

整个展区是独立的黑色空间，创作概念来源于人眼跟颜色的关系：颜色是眼睛对于光的感觉，是对于照射到物体表面上的光的选择性吸收和反射。

按照物体分子结构吸收某些波长的光，然后将其他波长的光反射出来，我们就看到了物体的颜色。

每一个少女在林老师眼中如同一种色彩，镜头将她们代入一个纯粹的环境，来展现她们生命中最具色彩的部分。

摄影师要思考的是女孩们如何看世界，如何与环境沟通，如何反射世界的能量，而这样的交流在艺术家的观察里又是什么结果。

这一系列照片拍摄时的快门是慢的（长曝光），营造一种迷离的视觉效果。

第三展区“偶然与巧合”

空间面积最大，所有作品均使用中画幅胶片相机拍摄，不可逆且存在着偶然性和唯一性，拒绝后期处理回归到照片原本的载体，用最原始的暗房冲洗技术来诠释人像。

不同于将照片放进相框的形式，我们把每张照片输出至巨大的尺寸放在巨大的空间，带来的些许压迫感让人自觉渺小，带来新的冲击。

由照片中人像的细微表情与布满岁月痕迹的脸庞，来诠释时间的流逝与变化，供观众驻足、欣赏。

现代人缺少这种对人的凝视，这次的作品不失为一种提醒。

这一展区没有安装射灯，而是运用空间本身整体侧面的自然采光，日光通透照射到巨幅油画布上，胶片的独特机理和质感跃然“画”

上。

这样的一次影展希望打开影像的更多可能，解放我们心中的“诗性”

，把人们从消费社会的迷幻现实中重新拉回到内心情境之中。

酸甜苦辣，冷暖自知。

每次做展览都像在完成一件作品，而创作这件事会上瘾。

摄影抑或我们所热爱的其他事物很妙，它们会让你痛苦，让你没自信，有时候甚至是**裸地迷失方向，可一旦你在坚持之中抓到了一条线，奋力往前走，一切的辛苦都会有回报，这样的满足感是没有任何事可以比得上的。

放远一点看，得到的其实比失去的多得多。