格格党

手机浏览器扫描二维码访问

东找西寻 漫谈中国画的百年变革与我的创作之路（第3页）

精神内涵、审美规律和审美观念以及绘画思想、艺术精神我们都不能丢掉。

这些都是我们需要坚守的东西。

或者说这些就是不可变、不能变的，是相对恒定的东西。

但是有不变的方面就有变的方面。

按我的理解，中西绘画都是按照自身不同的内在逻辑不断地演进，都在变化，都在发展。

就中国绘画而言，晋、唐、宋、元以及明清绘画，一直到近现代中国绘画，实际上大概可以梳理出一条发展的脉络，可以看到都在不断变化和演进，从这个角度来看不变又是不可能的。

但在变的过程中，中国绘画的精神内核是恒定的。

中西方绘画可以相互借鉴，而绘画的形式、样式、观念、思想，不能简单地移植，中西绘画各自有它生存的文化背景和土壤。

所以说西方绘画、中国绘画是依存于不同文化背景下的两大系统，互不能代替。

但是在技法上是可以相互借鉴和吸收的，比如工笔画更多的是从技法和色彩上吸收了西方绘画的原理，我自己的绘画也是如此。

因为我也是在这一段历史社会背景下成长的画家，吸收的同时也融合了一些西方绘画的元素，甚至在某一个阶段对西方绘画的认知和理解远远比对中国画要多。

关于这个问题，天津老画家孙其峰先生有一句话，我觉得他的观点大家可以借鉴，而且充满了一种辩证思维。

他说：“中西绘画综合起来就像一个枣核，枣核有一条中线，我在哪呢？我就在这中间。”

孙老说的是什么意思呢？他的意思是说“我”

是核心，谁能够解决“我”

的问题就吸收。

吸收西方绘画的一些规律、好的东西，能解决“我”

面对的问题就去借鉴。

我认为他的观点非常智慧。

但是对于中国画的内核与精神、对于中国画笔墨的理解，必须经历一个比较长的过程，这个过程就是对中国画笔墨的理解和锤炼。

倘若不掌握高超的传统笔墨技巧，那么在创作时就表现不出想要表现的那种境界。

一百年来，中国画经历了求新求变的探索，也使得这种变革成为一个时代特征。

倘不是如此，就不会有当代中国画“群峰并立，气象万千”

的气象与格局。

因此，一百年的变革与求新求变，我们站在今天这样一个历史交汇点上，如何“坚守”

应该是我们思考的课题。

回顾自己的创作与实践的道路，我也有颇多感慨。

我在读研究生之前每学期都画一堆画，那时专注于写意花鸟画，经历这样一个体验的过程很重要。

但是我进入研究生阶段有一个学期没有什么作品。

在这学期中全部精力是写生，也在不断地画草图，画了各种大大小小的草图，我还拍了很多秋天的景象，包括荷塘的一些照片，被这些自然的魅力所吸引和感动，但我还没有找到一种语言可以表达这样一种强烈的感受。

但是，我选择的一个大的方向是没有错的，就是说我要表现我看到的东西，我要表现对我产生心灵震撼和感动的东西，这一点是没有错的。

于是我就去尝试各种方法，这一学期一幅画没画成，经过一个学期这样的思考和尝试，我坚定地确定了一个方向，因此才逐渐形成了我那个时期的绘画风格。